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人物访谈

著名画家胡朝水创作访谈录

时间:2015-9-21 14:53:49   作者:泰山松   来源:泰山书画网   阅读:1130   评论:0
内容摘要:意境是中国画区别于西画的关键要素之一。西画强调对现实的再现,中国的首要任务则是表现自我。中国画家拿起毛笔,便是心中有丘壑,兴致而来,诉诸笔端,兴尽而归。传统的西方艺术家更注重对现实客观的描述,注重表现客体。当然,现在西方艺术也是多种多样,丰富多彩,但究其源头,还是与中国画强调主体的思想有本质区别。
1、您从艺多年,造就了集各家所长之能,立承前启后之本,创自成一格的彩墨山水,请您用概括性地为我们介绍一下,您眼里的中国书画艺术?

胡朝水:虽然艺术是极度个性化的,但我无意强调我眼中的中国画艺术有别于其他艺术家。我认为,中国画是以水墨、颜料、毛笔、宣纸等为创作工具,以勾、皴、染、点为主要创作技法,以中国传统文化和哲学思想为内涵,以抒情达意为目的的艺术形式。当然,这个“中国画”的概念特指的是近一千年来发展的“水墨画”。其实中国画源远流长,形式多样,内涵丰富,从彩陶、帛画到壁画,乃至很多偏向工艺性的作品,如年画、彩陶,都属于广义上的中国画。意境是中国画区别于西画的关键要素之一。西画强调对现实的再现,中国的首要任务则是表现自我。中国画家拿起毛笔,便是心中有丘壑,兴致而来,诉诸笔端,兴尽而归。传统的西方艺术家更注重对现实客观的描述,注重表现客体。当然,现在西方艺术也是多种多样,丰富多彩,但究其源头,还是与中国画强调主体的思想有本质区别。

2、彩墨画的创作有哪些区别于水墨画的程序?其中最见功夫的是?请您为我们介绍。

胡朝水:水墨画是如今最常见的中国画,它是以水墨的表现为主,色彩的渲染为辅。而彩墨画虽然历史不乏创作大家,但彩墨画不是主流画种。因此,人们对彩墨画的认识也比较浅显和片面。具体到彩墨画的创作程序,要因人而异,有的艺术家擅长于泼,有的擅长于染。比如我们都熟知的张大千、刘海粟的泼彩山水,就是以传统的泼墨法为基础,用“泼”的技法创作。染是另外一种更为传统的彩墨画创作技法。在墨底上用染料一层层罩染,形成丰富的色彩层次。代表人物是上海的著名艺术家吴湖帆。具体创作过程中,每个艺术家都有自己的技术偏好,具体程序也不尽相同。我通常将泼和染结合起来,充分发挥两者特点,为我所用。比如具有代表性的林容声老师,自由随性地运用染的技法,画面色彩位置自由度很大。卢禹舜老师的山水追求宁静和纯净,他的作品乍一看只有一种主色调,但是在高度主题色的画面内,他又追求色彩的丰富性,他习惯用色彩的浓淡来表达自己内心的情趣和哲思。再如方俊,许俊,等画家,每个人偏爱的方式都不一样。这很难说哪种技法高于哪种,艺术家需要的是适合自己的表达方式。

3、在彩墨画里,“彩”与“墨”有哪些交融和离合?历史上,“彩”与“墨”又有哪些嬗变?

胡朝水:纵观中国画历史,彩与墨好似一对孪生姐妹,相生相随,不断地交融离合。我们现在最常见的水墨作品,是以一千年前宣纸的诞生为肇端,经历代帝王、文人、画家不断推动而逐渐形成的。在此之前,“墨”在中国绘画中占的分量是相对较轻的。“墨”通常用于勾勒形体,而用大量的“彩”来表现绘画的主题和内容。比如早在远古时期,我们的先民们就已经直接用赭石等直接进行岩画壁画的创作,新石器时代,人们用“墨”勾勒动物的形状,用“彩”在陶器上进行创作。从第一位“书画家”曹不兴生活的三国时代,一直到隋唐,中国绘画题材以人物画为主,通常是以“墨”勾勒线条,以“彩”进行渲染。宣纸的出现极大程度地解放了“墨”的表现力和感染力,丰富的墨色变化促进了山水画的发展和繁荣,画家运用皴擦点染,展现了水墨在宣纸上丰富而多变的韵味。历史上,山水画的作者通常是文人、知识分子,而不是“专业”的画家,他们的案头除了毛笔、水墨之外,往往缺乏专业的绘画工具,特别是颜料,所以他们的山水作品就以水墨为主。加上水墨作品清雅淡泊,易于抒情明志,文人画逐渐成为中国画的主流。这个时候,民间艺人、画工则在大量创作“彩墨”作品,因为相比文人,他们才是更“专业”的画家。同时,宗教场所也在大量运用鲜艳的色彩。

4、置于不断发展变化的中国画的大语境下,“彩墨”有哪些独特的内涵?

胡朝水:改革开放以后,西方艺术思潮大量涌入,社会的稳定、经济的发展、市场的繁荣使得本来就博大精深的中国画获得了进一步的解放和发展。很多新的艺术学科、艺术形式层出不穷。有些号称“新水墨”的中国画实际上其艺术内核包裹的是西方艺术的基因。因此,“中国画”的内涵和外沿是不断发展变化的,没有相应的艺术理论能将其完整概括和描述。百花齐放,精彩纷呈的艺术形势是可喜的,不管你的艺术依赖的是东方哲学还是西方哲学,不管你采用水墨或是丙烯,只要是美的,能愉悦人的,那就是好的艺术。

具体到“彩墨”艺术作品,我认为不管环境如何发展变化,它始终是一种植根于中国传统书画的色彩艺术。它虽然融会彩墨的艺术手段,强调对色彩的运用,但仍是以诗书画印为主体的传统书画艺术。

5、在具体的创作过程中,您是如何权衡中国画水墨和色彩的关系,以及水墨的意趣和色彩的感染力的?

胡朝水:彩墨作品中,水墨和色彩要相互衬托,相得益彰。如何分配彩和墨在画面中的份量,这是一个难点。

彩和墨存在着一定的冲突和矛盾。在传统的文人画里,“色不碍墨,墨不碍色”是一种追求,他们所用的色彩,往往是植物性的,薄薄地罩染一层,无碍墨色的表现力,却又让画面更显清新雅致。

但具体到我个人的创作,由于我的作品以重彩为主,画面中往往以重彩来压制淡墨,因此,我放弃了一些传统文人画所不懈追求的书卷气、文人气,取而代之的是一种视觉的冲击力、色彩的感染力、勃发的生命力。为达此目的,颜料我多用矿物质颜料,同时,在用墨上结合焦、浓、重、淡、清的运用,但淡墨和清墨往往被色彩完全压制,这真是可惜又无可奈何的事。

焦墨、浓墨和重墨的运用,对于色彩具有极大的意义。比如,我常常用朱砂来点染画面,朱砂下面是很深很厚的墨,它能让强烈的颜色更加稳定和沉着,避免画面的浮躁,达到墨和色相互映衬的效果。

同时,我也会追求墨的独立效果。在画面的某些部分,我会用诸如墨点、墨块来中和重彩之间的某些冲突。毋容讳言,彩墨画的制作性较强,因此气韵的灵动是难点之一。墨的勾皴点染也能活跃画面的气韵。这样,在作品中最大限度追求水墨的意趣和色彩的感染力之间的和谐。

6、初看您的画,彩墨缤纷,色彩艳丽,但看同类题材的作品,经常可有艳俗之感,您在创作中是怎么规避的?

胡朝水:色彩的不当运用往往导致审美疲劳,给人艳俗之感。艳俗,艳俗,艳丽往往容易庸俗。淡雅,淡雅,淡了往往呈现雅致。的确,避免流俗也是我在创作中要规避的一个难点。

抛开技术层面的东西,画作要想“不俗”,功夫在画外——作者本身首先要“不俗”,要有修养,要有追求,要有境界。当你有了“不俗”的资格,不管你画水墨还是重彩,你的作品才有了“不俗”的可能。

技术上免俗是次要的。有很多技巧和方法,比如,合理运用色与墨的关系,比如加强对墨的层次的运用。但这些都是次要的,艺术家的个人修养才是关键。

7、有人认为,对中国传统文化的继承应该是对传统中的优秀精神加以传承,而非传统的形式,您是如何看待创新与继承之间的关系?

胡朝水:继承,从浅层次来讲是继承技巧,从深层次来说是继承文化。之所以这个时代有名家无大师,我想跟这个有关。如果一个资质还不错的艺术家闭门造车,临习名作,不出三年,他的勾皴染点之技就会成熟。但是,这只是继承了技巧,他的创作可能会高级,但绝不会高雅。

中国画是诗书画印四位一体的综合性艺术。为什么中国画讲究散点透视,讲究气韵,讲究意境?因为它背后承载的是一个民族文化最经典、最根本、最具代表性的东西。这其中包含了哲学、文学、历史、宗教等等很多相关的文化知识,没有这些作为积淀,不可能创作出优秀的中国画作品。

而创新又在继承之上,创新需要继承的根基。李可染先生讲,“以最大的功力打进去,以最大的勇气打出来”,这句话往往被人误解为传统的东西学得越多越好。我不这样认为。“吾生也有涯,而知也无涯”,盲目而片面地求大求全,实际上是继承的误解。我觉得继承可以从近代开始,“由近及远”,从明清到宋元,根据自己专业的需要和具体的创作,才能有的放矢,游刃有余。

8、作为山水画家,您从宾虹先生哪里汲取了哪些艺术养分?

胡朝水:黄宾虹先生是水墨山水大师,我是搞重彩创作的,从形式上,高山仰止,可能我得不到什么。但是,黄宾虹先生的精神非常值得学习。比如,他对待传统的态度,比如他对写生的重视。当初,我不能理解黄宾虹的写生作品,画哪里都是“一个样”,李可染则画哪里“是哪里”,后来我终于有所领悟。黄宾虹在写生的时候,绝对不会被对象所奴役,他始终坚持自我,以自我为中心。他用自己的审美观去“概括”眼前的山河,去“控制”流动的风岚,用自己的艺术程式去移山填海,诉诸笔端。

9、您推崇的艺术理念有哪些?您最尊重的艺术家有哪些?您最大的艺术理想是?

胡朝水:我的艺术理念有很多,但基本的有:艺术的本质是创造美。历代的各位名家都是我尊崇的对象,当代的我喜欢的也有很多,比如卢禹舜、陈平老师。我个人的艺术理想就是有朝一日能拥有自己的艺术语言,乃至创造有自己印迹的艺术流派。这也是我毕升所仰望的地方。

标签:传统文化 艺术家 中国画 访谈录 水墨画 
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